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O Festival de Cinema de Cannes deste ano — o primeiro ano do festival de cinema mais admirado do planeta — produziu muitos pequenos grandes, bons e preciosos, e eu prefiro atribuir essa insignificância ao gargalo reverso da COVID, que suspendeu 2020. Anos de produção estão sendo retomados. Para seu humilde crítico, um elenco aparentemente de primeira linha pode ter produzido uma obra-prima (olhando para você, a era apocalíptica de James Gray) e vários fracassos que vão além da mera maldade e se aproximam de uma agressão moral (embora o drama de sofrimento negro Tori e Lokita e o thriller de assassinato de trabalhadoras sexuais Holy Spider inexplicavelmente tenham seus apoiadores). Tradicionalmente, esses prêmios são dados aos filmes errados, com a sátira ampla de Ruben Östlund, The Triangle of Sorrows, em 2017 com The Square. Entre as exibições mais assustadoras em um festival de cinema mediano, tenho certeza de que o ano que vem trará, sem dúvida, sucessos de bilheteria de diretores de peso.
Mas não adianta reclamar, não quando você pode olhar pensativamente para as ondas safira do Mediterrâneo pela manhã e tentar não se envergonhar enquanto conversa em um coquetel com Julianne Moore à noite. Quanto ao filme em si, os programas paralelos oferecem destaques maiores do que o normal, como uma jornada incrível no corpo humano - não estou falando do último filme de David Cronenberg, acredite ou não - e imersão na silhueta psicológica em fantasia exuberante. Alguns dos cerca de uma dúzia de filmes apresentados abaixo já garantiram um acordo de exibição nos cinemas dos EUA e serão lançados em 2022; outros ainda não foram escolhidos e podem ser grandes streamers na onda de ofertas pós-feriado. (Você ficaria surpreso com quantas das melhores aquisições estrangeiras da Netflix fazem sucesso no Palais des Festivals pela primeira vez.) Continue lendo para uma análise das 12 estreias mais promissoras do ensolarado sul da França, onde os melhores Aproveitar o tempo que você passa sentado em casa, no escuro, por horas a fio.
Depois de levar os problemas do pai para os limites do universo em "Astra", James Gray traz seu foco em pais e filhos para um registro pessoal mais sólido e imediato enquanto escreve para este livro de memórias fictício - uma de suas melhores obras comoventes - recria os filmes de Nova York de sua infância em quem sabe quanto tempo. O jovem judeu Paul Graff (Michael Banks Repeta, bastante revelado) sonha em um dia transformar seu grafite de foguete em uma grande obra do mundo da arte, mas os desafios da vida cotidiana o mantêm ocupado: os pais (Anne Hathaway e Jeremy Strong, ambos em sua melhor forma) que querem que ele descanse na escola, um avô querido (Anthony Hopkins) que está com problemas de saúde e se transfere para uma faculdade particular com geeks de tortas de Reagan. Gray apresenta tudo isso em detalhes finos (ele e sua equipe construíram uma réplica em escala de sua antiga casa no estúdio usando filmes caseiros e fotos antigas), mais comovente do que o monólogo de partir o coração por causa de seu sexo íntimo é mais comovente do que monólogos de partir o coração. É como bisbilhotar a memória de outra pessoa.
Crucialmente, no entanto, Gray vê suas escolhas em miniatura através dos olhos claros dos adultos. O núcleo moral do filme é sobre classe — como isso afeta Paul de maneiras sutis que ele não consegue entender, e como seus pais o afetam de maneiras que eles preferem ignorar ou racionalizar. A amizade de Paul com uma colega negra (Jaylin Webb) é doce e ingênua, até que as circunstâncias muito diferentes de suas vidas os empurram em direções opostas, e a aparente culpa de Gray sugere que essa discordância pode não ser tão passiva. Quanto aos pais, eles estão constantemente pesando seus princípios e suas práticas, abandonando escolas públicas que eles dizem não ser melhores do que, e desprezando aquelas que eles dizem apoiar. Gray se recusa a apagar as rugas perturbadoras de um passado imperfeito, e a honestidade é a chave para a bela verdade em cada quadro desta caminhada de memória claramente observada.
Como o título mais quente do festival, o retorno de David Cronenberg ao seu reino do horror corporal parece um retorno em um sentido mais amplo - um grande homem nascido do Monte Olimpo Artista, lembrando como todos esses fingidores e impostores fazem isso. Viggo Mortensen e Léa Seydoux interpretam uma dupla de artistas performáticos com uma performance assustadora: ela manipula o controle remoto de uma máquina cirúrgica, abrindo a porta para espectadores em vestidos e smokings, removendo os novos órgãos horríveis que seu corpo produziu. Síndrome da Evolução Acelerada. Como o primeiro filme de artista não metafórico de Cronenberg, é ao mesmo tempo tentador e satisfatório projetar sua própria visão do status quo do cinema fraco-chá-degenerado em seus personagens e suas posições (muitos de seus ouvidos enxertados nem conseguem ouvir!) Imitadores de pé vendendo cópias de seu estilo.
Mas mesmo depois de um hiato de oito anos, Cronenberg ainda está fazendo aulas sozinho. Seus métodos estão ficando mais estranhos e distantes da gama de gêneros heterossexuais que alguns fãs querem que ele se encaixe. Todos (especialmente o Timlin jocoso de Kristen Stewart) falam em bordões barrocos ou passagens teóricas; "Contágio - o que há de errado com eles?" é um favorito instantâneo. A textura do filme tem um brilho plástico reflexivo não natural, adequado para uma cena de abertura com uma criança comendo em uma lixeira. O mundo de amanhã está literal e mentalmente desnutrido, as praias gregas estão cheias de barcos enferrujados com um leve gosto distópico, e materiais sintéticos são nossa principal fonte de alimento. Incrivelmente, Cronenberg estava se aprofundando na vida real ao escrever este roteiro antes de seu recente artigo no Guardian sobre microplásticos, mas suas previsões só se tornarão mais potentes à medida que o planeta desliza cada vez mais para seus anos de crepúsculo. Em vez disso, ele poderia seguir em frente para sempre.
Falando em corpos e no potencial aterrorizante para que se comportem mal de maneiras imprevisíveis e repugnantes: Este documentário do Laboratório de Etnografia Sensorial de Harvard (nos dá a viagem de pesca em alto mar Leviatã) Um olhar sem precedentes para o país das maravilhas escorregadio e viscoso que tomamos como certo todos os dias em vários hospitais em Paris. Os diretores Véréna Paravel e Lucien Castaing-Taylor facilitam o desenvolvimento de novas câmeras em miniatura capazes de capturar imagens de alta fidelidade do intestino delgado e do lúmen retal, discriminando a diferença entre a geometria de vanguarda pura e a intensidade visceral que escapa do teatro. Sim, você nunca pode esquecer a cena de sondagem uretral onde uma longa haste de metal é ajustada para "modo Kalashnikov" e bate na uretra de uma pessoa, ou ver uma agulha perfurar a íris do homem mais corajoso que já limpou o globo ocular na Terra. Mas se você é como eu, indo para cada novo filme procurando mostrar algo que você nunca viu antes, não há melhor garantia do que que.
Além disso, não se trata apenas de uma façanha grosseira e simples. Aprendemos que as funções do próprio hospital são tão complexas e interconectadas quanto o corpo humano, com vários órgãos trabalhando em harmonia. Durante a estimulação da próstata, ouvimos um cirurgião repreendendo seus enfermeiros e auxiliares por problemas além de seu controle, um aceno para as questões de subfinanciamento e falta de pessoal com as quais os americanos estão tão preocupados agora. Paravel e Castaing-Taylor demonstraram grande interesse nas atividades básicas dessas grandes instituições, com as imagens mais emocionantes vindas do ponto de vista de uma cápsula de transferência de arquivos viajando por uma rede de tubos pneumáticos que cruzam o prédio em alta velocidade. A sequência final de dança – perfeitamente ajustada para "I'll Survive" – é como uma homenagem ao que uma pessoa comum pensa sobre a classe trabalhadora, como seu próprio coração batendo involuntariamente, o que é invisível para a continuidade da vida. Essencial até pararmos e pensarmos em como é incrível podermos seguir em frente.
EO (pronuncia-se ee-aw, recomendo sinceramente que você diga isso em voz alta algumas vezes agora) é um burro e, bem, um menino muito bom. O primeiro filme do guru polonês Jerzy Skolimowski, de 84 anos, em sete anos acompanha o burro que não desiste enquanto faz as coisas no campo, principalmente sobrevivendo e testemunhando a provação. Se isso soa como uma paródia da sofisticação profunda da academia de arte europeia — afinal, é um remake solto do clássico de 1966 Au Hasard Balthazar — não se desanime pelo minimalismo frio. É um banquete puro, tão relaxante e meditativo quanto o lago gelado, com uma cena de cair o queixo pendurada de cabeça para baixo, transformando as árvores em arranha-céus fortemente reflexivos. Um jogo de câmera expressivo e impressionante anima esta maravilha de 88 minutos, regularmente intercalado com estroboscópios no estilo EDM e experimentos com dobradiças vermelhas.
Ninguém subestima o charme básico do próprio astro de quatro patas, unido por seis atores animais em sua pureza despojada e cristã. EO come cenouras. EO encontra alguns hooligans de futebol que acham que a erva que o enche de cerveja e espingardas será um gás venenoso. EO matou um homem! (Aí vem ele. Nenhum júri vai condenar.) É difícil não amar EO, ou se dedicar às desventuras do vagabundo por onde ele vagueia principalmente como um observador distante. Como um todo, os vários episódios do filme pintam um quadro da Polônia em crise espiritual, desde a irrepreensível Isabelle Huppert como uma madrasta tarada até um padre inesperadamente demitido que se manifesta. Mas é igualmente fácil se entregar à energia calmante que emana de nosso novo herói burro e à paisagem natural pela qual ele nos conduz lenta mas seguramente. Para sempre EO.
Depois de receber alguns elogios da crítica e milhares de fãs por seu trabalho em "Normal", Paul Mezcal estrelou Anna Ross Holmer e Sarah Davis desde 2016. , o primeiro filme pouco conhecido desde The Fits faz um argumento convincente para seu próprio status de estrela de cinema. Com charme despreocupado, o filho pródigo Bryan de Mezcal esconde as coisas desagradáveis por baixo dele enquanto retorna à vila de pescadores irlandesa que ele abandonou anos atrás para um novo começo na Austrália. Ele queria voltar ao jogo de colheita de ostras da cidade dominado pela fábrica de frutos do mar local, então ele convenceu sua mãe que trabalhava lá (Emily Watson, que fez um grande show no festival) a projetar algumas para ele usar como armadilha. Ela confia que ele não pode fazer nada errado e fica feliz em aceitar seu pequeno plano, seu leve relaxamento de moral que logo será posto à prova por apostas mais altas.
Então, algo horrível aconteceu, que é melhor manter em segredo, colocando as duas estrelas uma contra a outra em uma performance incomumente profunda, com Watson brilhando enquanto suspeita que prefere comer. Davies e Holmer (o roteiro devastador de Shane Crowley e Fodhla Cronin O'Reilly guiou sua impressão da Irlanda) deixaram a pressão osmótica subir e subir até uma intensidade insuportável, queimando em um clímax chocante. Isso nos deixa com perguntas perturbadoras sobre como nos comportamos na mesma situação. Ao mesmo tempo, podemos aproveitar a maravilhosa cinematografia de Chayse Irvin, encontrando fontes de luz inteligentes em muitas cenas noturnas e um brilho áspero na luz do dia cinzenta. Ele faz o possível para filmar todas as águas ameaçadoras e proibitivas que giram em torno desse drama moral, um vazio negro que se estende ao infinito, como as profundezas da alma humana, sem concessões ou piedade.
Seria uma tolice da Netflix não roubar a estreia na direção de Lee Jung-jae, mais conhecido por estrelar o sucesso de bilheteria "Round 3". (Coloque no seu tubo Algorithmic Synergy e fume!) Ambicioso, sinuoso, histericamente violento, ele toca muitos dos botões que a Big Red N adora em seus outros originais pós-fato, e usa tamanho suficiente - lindo em escala para explodir a pequena tela em que um dia poderá viver. O épico de espionagem se passa em um momento particularmente tumultuado na história da Coreia do Sul, quando uma ditadura militar reprimiu manifestantes e suas cabeças e as tensões explodiram novamente com seu vizinho hostil ao norte. Em meio ao caos, um jogo de gato e rato estourou dentro da CIA da Coreia do Sul, com o chefe do departamento de relações exteriores (Lee Jung-jae, servindo simultaneamente) e o chefe do departamento interno (Jung Woo-sung, que já apareceu em tal situação) no drama da web “Steel Rain” e Iran: The Wolf Brigade) correm para descobrir os infiltrados que ambos acreditam estar escondidos no time adversário.
À medida que sua investigação percorre uma série de pistas falsas e becos sem saída, culminando em uma conspiração de assassinato presidencial, dois agentes de elite pensam juntos em ascender a um avião em modo deus. Não posso enfatizar o suficiente o grande número de mortes nas duas horas e meia de duração do filme, como se Lee fosse contratualmente obrigado a explodir pelo menos 25 pessoas em cada cena. Ele orquestra essas sinfonias de carnificina com perícia da velha escola, mantendo o CGI no mínimo e maximizando os pacotes de squib em tais números que a indústria continua lucrativa por muitos anos. Os roteiros labirínticos exigem cada grão de sua atenção, e as exigências de tempo de execução são tão altas, mas aqueles que não são afetados pela convolução podem sentir o gosto das amostras incomumente brutas nas imagens de espionagem. (E aqueles que se perdem ainda podem ser banhados em sangue.)
É um filme realmente estranho, cara: o próximo documentário de Brett Morgan sobre David Bowie na HBO nem cabe nessa descrição simples, é mais como uma rápida colagem de imagens e referências, como um sistema solar girando em torno de um O músico mais fascinante da história. Os minutos iniciais passam por uma série de colagens de clipes que apresentam não apenas o próprio alienígena do art-rock, mas também quaisquer dicas que possam nos dar todo o seu indescritível histórico gestalt. Além do vídeo de "Ashes to Ashes" ou da apresentação ao vivo de "All the Young Dudes", também podemos capturar dicas de clássicos do cinema mudo, como Nosferatu (um estranho esguio temido por quadrados comuns), Metropolis (um Bowie no minimalismo industrial alemão de Berlim favorecido pela época) ou Dr. Mabus, o Jogador (outro artefato de Weimar sobre um homem que pode lançar um feitiço em seu público). Mesmo que essas conexões pareçam frágeis, podemos torná-las significativas e tirar quaisquer insights que derivamos desses testes de Rorschach da cultura pop.
À medida que o filme avança por suas reconhecidamente longas duas horas e meia, ele passa do experimental para a rotina. A primeira hora se concentra em temas abrangentes, como a bissexualidade de Bowie ou suas sensibilidades de vestuário, e o resto é organizado cronologicamente, nos levando através das jornadas de Los Angeles e da Alemanha Ocidental, seu relacionamento com o casamento da supermodelo Iman, e seu ponto de virada nos anos 90 foi o populismo. (Seu flerte com a cocaína é respeitosamente pulado, no entanto.) Essas seções fornecem um curso intensivo útil para novatos em Bowie, e para aqueles já proficientes, é uma revisita de algumas das salsichas geladas que ele faz bem.dezenas de.A cobertura completa de 5 anos de Morgan sobre uma estrela do rock não tem muitas revelações importantes, mas as maneiras de livre associação que ele aborda ainda podem revigorar um mistério que não sairá de moda de qualquer maneira.
Todo filme romeno conta o quão terrível é viver na Romênia, uma terra de governo corrupto, infraestrutura pública disfuncional e moradores rabugentos de ódio. O filme mais recente do vencedor da Palma de Ouro, Cristian Mungiu, que continua sendo o único diretor do país a ganhar o prêmio principal do festival, foca no último filme. Em uma pequena comunidade isolada em algum lugar da Transilvânia, uma panela de pressão exclusiva corre o risco de explodir quando alguns imigrantes do Sri Lanka chegam à cidade para trabalhar em uma padaria local. A reação dos moradores soou como um fluxo de consciência racista que os americanos entenderiam como parentes próximos da ideologia trumpista: eles vieram para roubar nossos empregos (nenhum deles se preocupou em roubar os deles), eles queriam nos substituir, eles são agentes de potências estrangeiras maliciosas. Imagens impressionantes de um único episódio durante uma reunião municipal liberam um rio de bile, e a máscara da lógica desce lentamente quando os cidadãos admitem que simplesmente não querem ver ninguém diferente.
Se isso parece uma batalha árdua e miserável, há fogo ideológico e fotografia fria e magistral o suficiente para cativar até os frequentadores de festivais mais exaustos. Mungiu nos leva por bosques nevados e estradas pavimentadas com terra, fotografando tudo de uma forma imparcial que pode evocar imagens de beleza tão facilmente quanto de feiura. O enredo é mais florido do que o cerco político pode sugerir. Ursos são uma grande parte das coisas, assim como o violoncelo de um dono de padaria. No centro de um filme com fortes princípios partidários, ela também faz parte de um dilema moral, e seu altruísmo em relação aos imigrantes pode ser uma cortina de fumaça para explorar o que ela, em última análise, vê como mão de obra de baixo custo. Ninguém se saiu particularmente bem deste filme, um pessimismo forte e intransigente que não poderíamos obter da produção cinematográfica de Hollywood, ou, nesse caso, do circuito independente americano. Uma América como esta nunca existirá, embora as patologias nacionais sejam tão semelhantes que poderíamos muito bem olhar em um espelho.
Considere a sátira do mundo da arte, onde toda a rivalidade, ressentimento insignificante e desespero absoluto são implícitos e reduzidos aos termos de menor risco imagináveis. Além disso, Michelle Williams é provavelmente o melhor papel de sua carreira. Então, remova o máximo de ação que o roteiro puder sustentar sem interrompê-lo, como se fosse para o público que achou o filme anterior do diretor Kelly Reichardt, "First Cow", muito emocionante. A publicidade foi realizada. Tal é a extensão deste delicado retrato de uma mulher enfrentando os limites de seus talentos em um campo que parece não ter nada a ver com ela. Williams interpreta a problemática Lizzy Carr, uma pequena escultora do extinto Instituto de Artes e Ofícios do Oregon, que tenta se alinhar com a próxima exposição, mas o que ela vê são distrações por toda parte: seu senhorio/amigo (Hong Chau, cada vez mais o primeiro é melhor que o último) não conserta seu aquecedor de água, um pombo ferido precisa de seus cuidados e atenção constantes, a calma condescendência do artista visitante a deixa louca.
Mas o golpe de gênio trágico de Reichardt está em sua sugestão de que Lizzy pode não ser talhada para isso. Suas esculturas não são ruins, elas não queimam de um lado quando o forno aquece de forma desigual. Seu pai (Judd Hirsch) é um ceramista muito respeitado, sua mãe (Marian Plunkett) dirige o departamento, e seu irmão mentalmente instável (John Magga Law) tem a centelha de inspiração para Lizzie lutar. A exposição da Climax Gallery - embora até mesmo usando a palavra "Climax" para descrever um filme tão resolutamente discreto e legal na vibração da cidade universitária da Costa Oeste - se desenrolou como uma farsa leve, os pequenos insultos de sua vida empilhados uns contra os outros enquanto ela sibila para seu irmão para deixá-la relaxar do queijo grátis. Para Reichardt, o antigo professor de Bard, a ironia de sua própria aproximação é mais comovente do que cáustica, caracterizada por uma certa apreciação por qualquer cenário que permita que excêntricos ambiciosos sejam eles mesmos em seu próprio tempo.
A melhor sequência de créditos pertence a este psicodrama do segredo mais bem guardado da Polônia, Agnieszka Smoczyńska, que faz com sucesso sua primeira incursão em inglês. Cada nome é lido e então comentado por várias vozes adolescentes, murmurando "Oh, eu amo esse nome!" Por exemplo, o rosto sorridente de Michael pisca na tela. Não é apenas um bom argumento. Esta é uma introdução ao universo de Lonely Island criado e habitado por June (Leitia Wright) e Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, um par de garotas negras que literalmente viveram no País de Gales nos anos 70 e 80. Refugiando-se em seu relacionamento e caindo em um estado de reticência seletiva em uma pequena vila totalmente branca, sua retirada de boca fechada de seus arredores eventualmente as leva ao caos trágico do Broadmoor Asylum. Nesta narrativa autêntica, Smoczyńska e a autora Andrea Seigel exploram a interioridade psicológica incomum que as garotas compartilham, imaginando como tais experiências extremas podem ser sentidas de dentro para fora.
Como deve ser para as meninas, a quebra no realismo deslumbra de uma forma que a monotonia de sua vida cotidiana não consegue igualar. Imagens em stop-motion extremamente amassadas mostram figuras com cabeças de pássaros vagando pelas dimensões de papel crepom e feltro, e figuras musicais ocasionais transmitem o estado interior angustiado das irmãs em linguagem declarativa, um coro grego. (O mesmo que o brilhante show de sereia-stripper assassina de Smoczyńska, The Lure, da Polônia.) June e Jennifer se imaginam entrando em um santuário saturado de cores onde tudo pode ser perfeito, até que o sucesso retorna à vida real e ficamos em choque. Na realidade romântica, atletas tentam fazer ginástica com meninas abrigadas depois de torcer por elas. À medida que sua situação conjunta se deteriora e os tribunais as separam, só podemos ver forças hostis destruindo seus refúgios seguros, uma série de cambalhotas formais que surgiram em meio a comentários sobre a falta de serviços de saúde mental no Reino Unido.
Mad Max já está no retrovisor, e George Miller está de volta com este improvável conto de fadas moderno sobre um homem chamado Alicia Binney (Tilda Swinton, em plena forma) e o Gênio (Idris Elba, Resplandecente e Gigante) que ela acabara de liberar da garrafa que adquirira no Bazar de Istambul no dia anterior. Você sabe como é, ele está aqui para realizar os três desejos dela e deixá-la usá-lo como quiser, mas como ela também sabe como é, não está disposta a cair em armadilhas "cuidadosas". Para convencê-la de sua boa vontade, ele inventou uma história fantástica sobre como passou os últimos três milênios, uma extravagância em CGI que, a qualquer momento, supera a maioria dos projetos de estúdio do gênero ao longo de toda a sua duração. Mais imaginação pode ser convocada. Do castelo da Rainha de Sabá à corte do Imperador Solimão, o Magnífico, magia, intriga e paixão percorrem viagens por todo o antigo Oriente Médio.
Mas essa jornada maravilhosa tem um destino inesperado que culmina na sutil história de amor dessas duas pessoas rebeldes com ideias semelhantes. Elas quebram a solidão compartilhando a alegria de contar histórias, e a estrutura narrativa aninhada de Miller as faz ir além. Como Alithea explicou em uma palestra em uma conferência acadêmica perto do início do filme, nós inventamos mitos para dar sentido ao mundo intrigante ao nosso redor, e Miller realizou um feito considerável ao combinar esse senso de admiração com o senso de invenção que traz conhecimento a um mundo moderno sufocado pela tecnologia. É claro que os cineastas não são luditas; os viciados em efeitos visuais ficarão cativados pelo uso astuto de enfeites digitais e criações em grande escala, seja a filmagem impressionante de seguir uma garrafa até o oceano a partir da garra de um pássaro, ou se transformar em uma aranha Gigeresque. O combustível instantâneo do pesadelo do assassino mutante então se dissolve em uma poça de escaravelhos.
Riley Keough se junta a Gina Gammell na cadeira de direção para um início auspicioso para a próxima fase de suas carreiras. (Os dois já têm outro projeto conjunto em andamento.) Eles ignoraram qualquer indício de vaidade de Hollywood, e a tribo Oglala Lakota está ganhando a vida ao redor desta reserva neorrealista de Pine Ridge em Dakota do Sul. Eles podem. Para o garoto local Matho (LaDainian Crazy Thunder) e o mais velho Bill (Jojo Bapteise Whiting), isso significa principalmente roubar e vender drogas, traficar pequenas quantidades de metanfetamina, passar horas em fazendas e fábricas de perus próximas ou vender Poodles por reprodução para jogar o jogo por mais tempo. Quando você não tem dinheiro para fazer nada, não há mais nada a fazer, um fato que é compreendido pela maioria dos filmes que se contentam em sair com os jovens, apenas procurando algo para preencher seu tempo livre.
Se isso soa como se os outsiders Keough e Gammell estivessem romantizando excessivamente a pobreza ou indo na outra direção da exploração, pense novamente; depois dos escritores Bill Reddy e Franklin Sue Bob (Guiado por Sioux Bob) e um elenco de moradores da vida real de Pine Ridge, eles habilmente identificam pontos tonais difíceis sem focar em tons difíceis. Esses personagens têm que lidar com muita merda dos adultos ao redor - o pai ocasionalmente abusivo de Mato, o chefe branco de Bill - mas como os jovens na vida real, uma vez que eles podem continuar saindo e fazendo brincadeiras, a miséria virá Escorregando de suas costas com seus amigos. Um clímax distante reafirma as intenções mais vis do filme de celebrar e empoderar pessoas marginalizadas por uma sociedade dominada por brancos que os vê com desdém ao considerá-los. Os cérebros diretores Keough-Gammell estão aqui para ficar, e esperamos que o mesmo aconteça com seus colaboradores carismáticos, o ator leigo mais famoso que vimos desde The Rider, de Chloe Zhao.
Horário da publicação: 02/06/2022
