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O Festival de Cannes deste ano – o primeiro ano do festival de cinema mais admirado do planeta – produziu muitos filmes bons e alguns poucos geniais, e atribuo essa insignificância ao gargalo reverso da COVID, que suspendeu as produções de 2020. As produções de 2020 estão agora sendo retomadas. Para este humilde crítico, uma seleção aparentemente de primeira linha pode ter produzido uma obra-prima (estou falando de você, a era apocalíptica de James Gray) e múltiplos fracassos que vão além da mera ruindade e se aproximam de um ataque moral (embora o drama negro sobre sofrimento, Tori e Lokita, e o thriller sobre assassinato de uma profissional do sexo, Holy Spider, inexplicavelmente tenham seus apoiadores). Tradicionalmente, esses prêmios são dados aos filmes errados, como aconteceu com a sátira abrangente de Ruben Östlund, O Triângulo das Mágoas, em 2017, junto com The Square. Entre as exibições mais assustadoras em um festival de cinema mediano, tenho certeza de que o próximo ano trará, sem dúvida, sucessos de bilheteria de diretores renomados.
Mas reclamar não adianta, não quando se pode contemplar pensativamente as ondas azul-safira do Mediterrâneo pela manhã e tentar não se envergonhar ao socializar com Julianne Moore em um coquetel à noite. Quanto ao filme em si, as sessões paralelas oferecem destaques acima da média, como uma jornada incrível pelo corpo humano – acredite ou não, não estou falando do último filme de David Cronenberg – e uma imersão na silhueta psicológica em uma fantasia exuberante. Alguns dos cerca de doze filmes apresentados abaixo já garantiram um contrato de exibição nos cinemas dos EUA e estrearão em 2022; Outras produções ainda não foram selecionadas e podem se tornar grandes sucessos de streaming na onda de ofertas pós-feriado. (Você se surpreenderia com quantas das melhores aquisições estrangeiras da Netflix fazem sucesso no Palais des Festivals pela primeira vez.) Continue lendo para conferir uma análise das 12 estreias mais promissoras do ensolarado sul da França, onde os melhores aproveitam o tempo livre, mesmo estando em casa, no escuro, por horas a fio.
Depois de levar os problemas do pai aos confins do universo em "Astra", James Gray direciona seu foco em pais e filhos para um registro pessoal mais sólido e imediato ao escrever esta autobiografia ficcional – uma de suas obras mais comoventes – recriando os filmes nova-iorquinos de sua infância em um passado que ninguém sabe ao certo. O jovem judeu Paul Graff (Michael Banks Repeta, uma revelação) sonha em um dia transformar seus grafites de foguetes em uma obra-prima do mundo da arte, mas os desafios da vida cotidiana o mantêm ocupado: pais (Anne Hathaway e Jeremy Strong, ambos em seus melhores momentos) que querem que ele descanse na escola, um avô querido (Anthony Hopkins) com saúde frágil que o transfere para uma faculdade particular com nerds da torta Reagan. Gray retrata tudo com detalhes minuciosos (ele e sua equipe construíram uma réplica em escala de sua antiga casa no estúdio usando filmes caseiros e fotos antigas), mais pungente do que o monólogo comovente devido à sua intimidade. É como bisbilhotar a vida de alguém. a memória de outra pessoa.
Crucialmente, porém, Gray enxerga as escolhas de seu mini-eu através dos olhos lúcidos dos adultos. O cerne moral do filme gira em torno da classe social – como ela afeta Paul de maneiras sutis que ele não consegue compreender, e como seus pais o afetam de formas que preferem ignorar ou racionalizar. A amizade de Paul com uma colega negra (Jaylin Webb) é doce e ingênua, até que as circunstâncias muito diferentes de suas vidas os empurram em direções opostas, e a aparente culpa de Gray sugere que essa discordância pode não ser tão passiva. Quanto aos pais, eles estão constantemente ponderando seus princípios e suas práticas, abandonando escolas públicas que afirmam não serem superiores a elas e menosprezando aqueles que dizem apoiar. Gray se recusa a apagar as rugas perturbadoras de um passado imperfeito, e a honestidade é a chave para a bela verdade em cada fotograma desta caminhada pela memória, observada com clareza.
Como o título mais badalado do festival, o retorno de David Cronenberg ao seu universo de horror corporal parece um retorno em um sentido mais amplo – um grande homem nascido do Monte Olimpo, um artista que nos lembra como todos esses pretensos e impostores fazem o mesmo. Viggo Mortensen e Léa Seydoux interpretam um casal de artistas performáticos com uma performance arrepiante: ela manipula o controle remoto de uma máquina cirúrgica, abrindo a porta para espectadores de vestidos de gala e smokings, enquanto removem os novos órgãos horripilantes que seu corpo produziu. Síndrome da Evolução Acelerada. Como o primeiro filme de artista não metafórico de Cronenberg, é ao mesmo tempo instigante e satisfatório projetar sua própria visão sobre o status quo do cinema degenerado e de gosto duvidoso em seus personagens e suas posições (muitos de seus imitadores, que vendem cópias de seu estilo, sequer conseguem ouvir!).
Mas mesmo após um hiato de oito anos, Cronenberg ainda faz aulas sozinho. Seus métodos estão ficando cada vez mais estranhos e distantes dos gêneros convencionais nos quais alguns fãs querem que ele se encaixe. Todos (especialmente a brincalhona Timlin, interpretada por Kristen Stewart) falam em bordões rebuscados ou passagens teóricas; “Contágio – o que há de errado com eles?” é um favorito instantâneo. A textura do filme tem um brilho plástico reflexivo e artificial, adequado para uma cena de abertura com uma criança comendo em uma lixeira. O mundo de amanhã está literalmente e mentalmente desnutrido, as praias gregas estão repletas de barcos enferrujados com um leve toque distópico, e materiais sintéticos são nossa principal fonte de alimento. Incrivelmente, Cronenberg estava se baseando na vida real ao escrever este roteiro antes de seu recente artigo no Guardian sobre microplásticos, mas suas previsões só se tornarão mais impactantes à medida que o planeta avança para seus últimos anos de degradação. Em vez disso, ele poderia simplesmente seguir em frente para sempre.
Falando em corpos e no potencial aterrador para que eles se comportem de maneiras imprevisíveis e repugnantes: este documentário do Laboratório de Etnografia Sensorial de Harvard (que nos leva à viagem de pesca em alto-mar Leviathan) oferece um olhar sem precedentes sobre o mundo escorregadio e viscoso que consideramos normal todos os dias em diversos hospitais de Paris. Os diretores Véréna Paravel e Lucien Castaing-Taylor facilitam o desenvolvimento de novas câmeras em miniatura capazes de capturar imagens de alta fidelidade do intestino delgado e do lúmen retal, discriminando a diferença entre a geometria puramente vanguardista e a intensidade visceral que escapa ao teatro. Sim, você nunca esquecerá a cena da sondagem uretral, onde uma longa haste de metal é configurada para o "modo Kalashnikov" e atinge a uretra de uma pessoa, ou ver uma agulha perfurar a íris do homem mais corajoso do mundo a realizar uma limpeza ocular. Mas se você é como eu, que vai a cada novo filme esperando ver algo inédito, não há garantia melhor do que essa.
Além disso, não se trata apenas de uma exploração grosseira e simplista. Aprendemos que as funções do próprio hospital são tão complexas e interconectadas quanto o corpo humano, com vários órgãos trabalhando em harmonia. Durante a estimulação da próstata, ouvimos um cirurgião repreendendo suas enfermeiras e auxiliares por problemas fora de seu controle, uma alusão aos problemas de falta de verbas e de pessoal que tanto preocupam os americanos atualmente. Paravel e Castaing-Taylor demonstraram grande interesse pelas atividades básicas dessas grandes instituições, com as cenas mais empolgantes vindas do ponto de vista de uma cápsula de transferência de arquivos viajando por uma rede de tubos pneumáticos que cruzam o prédio em alta velocidade. A sequência final de dança – perfeitamente sincronizada com “I'll Survive” – é como uma homenagem ao que uma pessoa comum pensa da classe trabalhadora, como seu próprio coração batendo involuntariamente, algo invisível para a continuidade da vida, essencial até que paremos para pensar em como é incrível que possamos seguir em frente.
EO (pronuncia-se "i-au", recomendo que você repita em voz alta algumas vezes agora) é um burro e, bem, um ótimo garoto. O primeiro filme em sete anos do guru polonês Jerzy Skolimowski, de 84 anos, acompanha o burro que não desiste enquanto realiza suas atividades no campo, sobrevivendo e testemunhando o sofrimento. Se isso soa como uma paródia da sofisticação das academias de arte europeias — afinal, é uma refilmagem livre do clássico de 1966, Au Hasard Balthazar — não se deixe desanimar pelo minimalismo frio. É um verdadeiro deleite, tão relaxante e meditativo quanto o lago congelado, com uma tomada de tirar o fôlego, em que o espectador está de cabeça para baixo, transformando as árvores em arranha-céus com reflexos nítidos. Uma cinematografia expressiva e deslumbrante anima esta maravilha de 88 minutos, intercalada regularmente com flashes no estilo EDM e experimentos com luzes vermelhas.
Ninguém subestima o charme intrínseco do próprio astro de quatro patas, unido por seis atores animais em sua pureza despojada e quase cristã. EO come cenouras. EO encontra alguns hooligans do futebol que pensam que a erva que o embriaga com cerveja e armas de fogo será um gás venenoso. EO matou um homem! (Lá vem ele. Nenhum júri o condenará.) É difícil não amar EO, ou se dedicar às desventuras do vagabundo, que vagueia principalmente como um observador distante. Em sua totalidade, os vários episódios do filme pintam um retrato da Polônia em crise espiritual, desde a irrepreensível Isabelle Huppert como uma madrasta libidinosa até um padre inesperadamente demitido. Mas é igualmente fácil se entregar à energia tranquilizante que emana do nosso novo herói burro e à paisagem natural pela qual ele, lenta mas seguramente, nos conduz. Para sempre EO.
Após receber aclamação da crítica e conquistar milhares de fãs por seu trabalho em “Normal”, Paul Mezcal estrelou filmes com Anna Ross Holmer e Sarah Davis desde 2016. O pouco conhecido primeiro filme desde “The Fits” apresenta argumentos convincentes para seu próprio status de estrela de cinema. Com um charme descontraído, o pródigo Bryan, interpretado por Mezcal, esconde seus defeitos ao retornar à vila de pescadores irlandesa que abandonou anos atrás em busca de um novo começo na Austrália. Ele queria voltar ao ramo da colheita de ostras, dominado pela fábrica de frutos do mar local, então convenceu sua mãe, que trabalhava lá (Emily Watson, que deu um show no festival), a criar algumas armadilhas para uso próprio. Ela confia que ele não pode fazer nada de errado e aceita de bom grado seu pequeno plano, uma leve flexibilização de seus valores morais que logo será posta à prova por riscos maiores.
Então algo horrível aconteceu, melhor manter em segredo, colocando as duas estrelas em confronto numa demonstração de atuação excepcionalmente profunda, com Watson brilhando enquanto suspeita que preferiria comer aquilo. Davies e Holmer (o roteiro devastador de Shane Crowley e Fodhla Cronin O'Reilly guiou sua interpretação da Irlanda) deixam a pressão osmótica crescer e crescer até uma intensidade insuportável, culminando num clímax chocante. Isso nos deixa com questões perturbadoras sobre como nos comportaríamos na mesma situação. Enquanto isso, podemos apreciar a cinematografia deslumbrante de Chayse Irvin, encontrando fontes de luz inteligentes em muitas cenas noturnas e um brilho rústico na luz cinzenta do dia. Ele faz o possível para filmar todas as águas sinistras e ameaçadoras que giram em torno deste drama moral, um vazio negro que se estende ao infinito, como as profundezas da alma humana, sem concessões ou piedade.
Seria uma tolice da Netflix não garantir a estreia na direção de Lee Jung-jae, mais conhecido por estrelar o sucesso de bilheteria "Squid Game". (Coloque no seu tubo de Sinergia Algorítmica e fume!) Ambicioso, sinuoso, histericamente violento, o filme explora muitos dos temas que a Netflix adora em suas outras produções originais, e tem uma escala grandiosa o suficiente para explodir na tela pequena em que poderá um dia ser exibido. A saga de espionagem se passa em um momento particularmente turbulento da história da Coreia do Sul, quando uma ditadura militar reprimiu protestos e as tensões com o vizinho hostil do norte reacenderam. Em meio ao caos, um jogo de gato e rato se inicia dentro da CIA sul-coreana, com o chefe do departamento de relações exteriores (Lee Jung-jae, que atuava simultaneamente) e o chefe do departamento de assuntos internos (Jung Woo-sung, que já havia atuado em situações semelhantes) no webdrama "Steel Rain". e Irã: A Brigada Lobo) correm para farejar os infiltrados que ambos acreditam estarem escondidos na equipe adversária.
À medida que a investigação percorre uma série de pistas falsas e becos sem saída, culminando em um plano de assassinato presidencial, dois agentes de elite unem forças para alcançar um nível de poder extraordinário. Não consigo enfatizar o suficiente a quantidade de mortes nas duas horas e meia de duração do filme, como se Lee tivesse a obrigação contratual de explodir pelo menos 25 pessoas em cada cena. Ele orquestra essas sinfonias de carnificina com maestria à moda antiga, minimizando os efeitos especiais e maximizando o uso de explosivos em tal quantidade que a indústria continuará lucrativa por muitos anos. Os roteiros labirínticos exigem cada grama da sua atenção, e a duração é tão longa, mas aqueles que não se deixam abalar pela complexidade podem apreciar as amostras incomumente brutais dos filmes de espionagem. (E aqueles que se perderem ainda poderão se banhar em sangue.)
É um filme realmente estranho, cara: o documentário de Brett Morgan para a HBO sobre David Bowie não se encaixa nem nessa descrição simples; é mais como uma colagem rápida de imagens e referências, como um sistema solar girando em torno do músico mais fascinante da história. Os minutos iniciais passam por uma série de colagens de clipes que apresentam não apenas o próprio alienígena do art-rock, mas também quaisquer indícios que possam nos dar toda a sua indescritível trajetória. Além do vídeo de "Ashes to Ashes" ou da performance ao vivo de "All the Young Dudes", também podemos captar referências a clássicos do cinema mudo como Nosferatu (um forasteiro esguio temido pelos quadrados comuns), Metrópolis (um Bowie no minimalismo industrial alemão de Berlim, tão apreciado na época) ou Dr. Mabus, o Jogador (outro artefato da República de Weimar sobre um homem que pode enfeitiçar seu público). Mesmo que essas conexões pareçam frágeis, podemos torná-las significativas e extrair insights desses testes de Rorschach da cultura pop.
À medida que o filme avança por suas duas horas e meia, reconhecidamente longas, ele transita do experimental para o rotineiro. A primeira hora se concentra em temas abrangentes, como a bissexualidade de Bowie ou seu senso de estilo, e o restante é organizado cronologicamente, levando-nos por suas estadias em Los Angeles e na Alemanha Ocidental, seu relacionamento com a supermodelo Iman, cujo casamento era conhecido apenas por um nome, e sua virada na década de 90 com o populismo. (Sua flertação com a cocaína é respeitosamente omitida, no entanto.) Essas seções fornecem um curso intensivo útil para novatos em Bowie e, para aqueles já familiarizados com ele, é uma revisitação de algumas das obras mais marcantes que ele criou. A cobertura completa de cinco anos de Morgan sobre uma estrela do rock não traz muitas revelações importantes, mas a abordagem livre e associativa que ele adota ainda consegue revigorar um mistério que, de qualquer forma, não sairá de moda.
Todo filme romeno retrata o quão terrível é viver na Romênia, uma terra de governo corrupto, infraestrutura pública disfuncional e moradores ranzinzas e cheios de ódio. O mais recente filme de Cristian Mungiu, vencedor da Palma de Ouro e único diretor do país a conquistar o prêmio máximo do festival, foca no capítulo final. Em uma pequena comunidade isolada na Transilvânia, uma panela de pressão exclusiva corre o risco de explodir com a chegada de imigrantes do Sri Lanka para trabalhar em uma padaria local. A reação dos moradores soa como um fluxo de consciência racista que os americanos entenderiam como parentes próximos da ideologia trumpista: eles vieram para roubar nossos empregos (nenhum deles se deu ao trabalho de roubar os seus), eles queriam nos substituir, eles são agentes de potências estrangeiras maliciosas. Imagens impactantes de uma reunião na cidade revelam um rio de rancor, e a máscara da lógica lentamente se desfaz à medida que os cidadãos admitem que simplesmente não querem ver ninguém diferente.
Se isso soa como uma batalha árdua e miserável, há fogo ideológico suficiente e uma fotografia magistral e elegante para cativar até os frequentadores de festivais mais exaustos. Mungiu nos leva por bosques nevados e estradas de terra batida, fotografando tudo de uma maneira distanciada que pode evocar imagens de beleza com a mesma facilidade com que evoca imagens de feiura. O enredo é mais florido do que o cerco político poderia sugerir. Ursos são uma parte importante da história, assim como o violoncelo tocado pelo dono de uma padaria. No centro de um filme com fortes princípios partidários, ela também faz parte de um dilema moral, e seu altruísmo em relação aos imigrantes pode ser uma cortina de fumaça para explorar o que ela, em última análise, considera mão de obra barata. Ninguém saiu particularmente bem deste filme, um pessimismo forte e intransigente que não conseguimos encontrar na produção cinematográfica de Hollywood, ou, aliás, no circuito independente americano. Uma América como esta nunca existirá, embora as patologias nacionais sejam tão semelhantes que poderíamos muito bem nos olhar em um espelho quebrado.
Pegue a sátira do mundo da arte, onde toda a rivalidade, o ressentimento mesquinho e o desespero absoluto são implícitos e reduzidos aos termos de menor risco imagináveis. Além disso, Michelle Williams provavelmente está no melhor papel de sua carreira. Depois, remova o máximo de ação que o roteiro suportar sem quebrá-lo, como se para o público que achou o filme anterior da diretora Kelly Reichardt, "First Cow", emocionante demais. A divulgação foi feita. Tal é a extensão deste delicado retrato de uma mulher que enfrenta os limites de seus talentos em uma área que parece não ter nada a ver com ela. Williams interpreta a problemática Lizzy Carr, uma pequena escultora do agora extinto Instituto de Artes e Ofícios do Oregon, que tenta se alinhar com a próxima exposição, mas o que ela vê... Distrações estão por toda parte: seu senhorio/amigo (Hong Chau, cada vez mais o primeiro se mostra melhor que o segundo) não conserta seu aquecedor de água, um pombo ferido precisa de seus cuidados e atenção constantes, a calma condescendência descomplicada do artista visitante a enlouquece.
Mas a genialidade trágica de Reichardt reside na sua sugestão de que Lizzy talvez não tenha o perfil adequado. Suas esculturas não são ruins, não queimam de um lado quando o forno aquece de forma irregular. Seu pai (Judd Hirsch) é um ceramista renomado, sua mãe (Marian Plunkett) dirige o departamento, e seu irmão mentalmente instável (John Magga Law) é a faísca de inspiração pela qual Lizzy luta. A exposição na Galeria Climax — embora o uso da palavra "Climax" para descrever um filme tão resolutamente discreto e descolado, dentro da atmosfera universitária da Costa Oeste — se desenrolou como uma farsa leve, com os pequenos insultos de sua vida empilhados uns contra os outros enquanto ela resmunga para o irmão deixá-la relaxar do queijo grátis. Para Reichardt, professora de longa data de Bard, a ironia de sua própria aproximação é mais comovente do que cáustica, caracterizada por uma certa apreciação por qualquer cenário que permita que excêntricos ambiciosos sejam eles mesmos em seu próprio tempo.
A melhor sequência de créditos pertence a este psicodrama da diretora polonesa Agnieszka Smoczyńska, um segredo bem guardado, que estreia com sucesso em inglês. Cada nome é lido e comentado por diversas vozes adolescentes, murmurando "Ah, eu adoro esse nome!". Por exemplo, o rosto sorridente de Michael aparece na tela. E não é só um ponto positivo. Esta é uma introdução ao universo do Lonely Island, criado e habitado por June (Leitia Wright) e Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, duas garotas negras que viveram literalmente no País de Gales nas décadas de 70 e 80. Buscando refúgio em seu relacionamento e mergulhando em um estado de reticência seletiva em uma pequena vila totalmente branca, seu isolamento do ambiente ao redor as leva ao caos trágico do Asilo Broadmoor. Nesta narrativa autêntica, Smoczyńska e a autora Andrea Seigel exploram a incomum interioridade psicológica que as garotas compartilham, imaginando como experiências tão extremas podem ser sentidas de dentro para fora.
Como deve ser para as garotas, a quebra com o realismo deslumbra de uma forma que a monotonia do seu cotidiano não consegue igualar. Imagens em stop-motion extremamente distorcidas mostram figuras com cabeças de pássaro vagando pelas dimensões de papel crepom e feltro, e figuras musicais ocasionais transmitem o estado interior angustiado das irmãs em uma linguagem declarativa, um coro grego. (Semelhante ao brilhante show de Smoczyńska, "The Lure", da Polônia, sobre uma sereia assassina e uma stripper.) June e Jennifer se imaginam entrando em um santuário saturado de cores onde tudo pode ser perfeito, até que o desastre retorna à vida real e ficamos em choque. Na realidade romântica, atletas tentam realizar ginástica com garotas protegidas depois de torcerem por elas. À medida que a situação delas se deteriora e os tribunais as separam, só podemos ver forças hostis destruindo seus refúgios privados, uma série de reviravoltas formais que surgiram em meio a comentários sobre a falta de serviços de saúde mental no Reino Unido.
Mad Max já é passado, e George Miller está de volta com este improvável conto de fadas moderno sobre uma mulher chamada Alicia Binney (Tilda Swinton, em ótima forma) e o Gênio (Idris Elba, resplandecente e gigante) que ela acabara de libertar da garrafa que comprara no Bazar de Istambul no dia anterior. Você já sabe como funciona: ele está ali para realizar seus três desejos e permitir que ela use o gênio como quiser, mas, como ela também sabe como funciona, não está disposta a cair em algumas armadilhas "cautelosas". Para convencê-la de sua boa vontade, ele inventou uma história fantástica sobre como passou os últimos três milênios, um espetáculo de efeitos especiais que, a qualquer momento, supera a maioria dos projetos de estúdio do gênero durante toda a sua exibição. Ainda mais imaginação pode ser invocada. Do castelo da Rainha de Sabá à corte do Imperador Solimão, o Magnífico, magia, intriga e paixão percorrem viagens pelo antigo Oriente Médio.
Mas essa jornada maravilhosa tem um destino inesperado que culmina na sutil história de amor entre essas duas pessoas errantes e com interesses em comum. Elas rompem a solidão compartilhando a alegria de contar histórias, e a estrutura narrativa aninhada de Miller as leva a ir além. Como Alithea explicou em uma palestra em uma conferência acadêmica perto do início do filme, inventamos mitos para dar sentido ao mundo enigmático ao nosso redor, e Miller realizou um feito considerável ao combinar esse senso de admiração com a invenção, trazendo conhecimento para um mundo moderno sufocado pela tecnologia. É claro que os cineastas não são luditas; os aficionados por efeitos visuais ficarão cativados pelo uso inteligente de recursos digitais e criações em grande escala, seja a impressionante cena de uma garrafa sendo levada para o oceano pela garra de um pássaro, ou a transformação em uma aranha à la Giger. O pesadelo instantâneo do assassino mutante então se dissolve em uma piscina de escaravelhos.
Riley Keough junta-se a Gina Gammell na direção, marcando um início auspicioso para a próxima fase de suas carreiras (as duas já têm outro projeto conjunto em andamento). Elas deixaram de lado qualquer vestígio de vaidade hollywoodiana e a tribo Oglala Lakota está vivendo da maneira que pode, em torno da reserva neorrealista de Pine Ridge, na Dakota do Sul. Para o jovem Matho (LaDainian Crazy Thunder) e o mais velho Bill (Jojo Baptiste Whiting), isso significa principalmente roubar e vender drogas, traficar pequenas quantidades de metanfetamina, trabalhar horas em fazendas e fábricas de perus próximas ou comprar poodles para reprodução, para que possam continuar jogando por mais tempo. Quando não se tem dinheiro para nada, não há mais nada a fazer, um fato compreendido pela maioria dos filmes que se contentam em acompanhar jovens em busca de algo para preencher seu tempo livre.
Se isso soa como se os forasteiros Keough e Gammell estivessem romantizando demais a pobreza ou indo na direção oposta da exploração, pense novamente; com os roteiristas Bill Reddy e Franklin Sue Bob (Guiados por Sioux Bob) e um elenco de moradores reais de Pine Ridge, eles habilmente entrelaçam nuances complexas sem se concentrarem em tons difíceis. Esses personagens têm que lidar com muita coisa ruim vinda dos adultos ao seu redor – o pai ocasionalmente abusivo de Mato, o chefe branco de Bill – mas, como jovens na vida real, uma vez que possam continuar saindo e fazendo brincadeiras, a miséria vai se dissipando com a ajuda dos amigos. Um clímax distante reafirma as intenções mais vis do filme: celebrar e empoderar pessoas marginalizadas por uma sociedade dominada por brancos que as trata com desdém. A genialidade da dupla de diretores Keough-Gammell veio para ficar, e esperamos que o mesmo aconteça com seus carismáticos colaboradores, o ator não-binário de maior destaque que vimos desde The Rider, de Chloe Zhao.
Data da publicação: 02/06/2022
